EXPOSICIONES COLECTIVAS
Feira SP-ARTE
Particular Galería | São Paulo/Brasil, 2026
Particular Galeria presenta, en SP-Arte 2026, un estand comisariado por Bianca Bernardo que explora la casa como metáfora del refugio — un territorio de memoria, pertenencia y cuidado.
En diálogo con el pensamiento de Gaston Bachelard y Yi-Fu Tuan, la propuesta amplía la noción de casa más allá de la construcción material, entendiéndola como un espacio fundacional de la experiencia sensible. Si la casa física organiza el mundo entre interior y exterior, las casas espirituales — tejidas por la ancestralidad, el lenguaje y la fe — estructuran nuestra identidad y transforman el espacio en un lugar de significado y afecto. Como observa Bachelard, «la casa es el nido de la imaginación», y Tuan añade que «el lugar es el espacio cargado de significado y valor afectivo». La casa es materia y sueño, refugio concreto y paisaje interior: no solo la habitamos, sino que también nos constituye.
Al acercar estas dimensiones, el proyecto propone reflexionar sobre el habitar como gesto ético y colectivo. Construir, preservar y cuidar atraviesan los espacios visibles e invisibles que nos constituyen. En tiempos de urgencias ambientales y sociales, pensar la casa es reconocer la interdependencia entre lo íntimo y lo colectivo — comprender que todo refugio implica una responsabilidad compartida.
Comissário: Bianca Bernardo
Particular Galería
Arquitecta: Tatiana Coutinho
São Paulo/Brasil
Abril.2026
Obra: BERNI series
Artistas: Ana V. Lopes – Andrey Guaianá Zignnatto – Cleverson Oliveira – Douglas Knesse – Dudu Garcia – Emilia Brandão Carneiro – Fernando Burjato – Geraldo Marcolini – Isabê – Liana Nigri – Liliana Sanches – Luiz Martins – Luiz Philippe – Mayra carvalho – Maria-Carmen Perlingeiro – Marina Rodrigues – Tony Camargo
«A Chama de uma Centelha»
Ateliê Casa Um | São Paulo/Brasil, 2026
Centella es el instante en que la materia bruta despierta a sí misma: un destello, una intuición. Un punto de luz incandescente que hiende la oscuridad antes de que los ojos puedan comprenderlo. Esta partícula ígnea, en forma de chispa, destello o pavesa, aparentemente en vuelo solitario, surge con una fuerza electrizante, sin control ni conciencia de su propia energía y potencia. Aun así, por insignificante que se sienta, ese fulgor es lo suficientemente fértil como para encender una hoguera o propagarse e incendiar un bosque entero.
A lo largo de los últimos dos meses, 23 artistas visuales brasileños, residentes en Brasil, Europa y Estados Unidos, formaron parte de la primera edición de Flamma, el programa de mentoría y acompañamiento crítico-curatorial de la plataforma Spiritual in Art, de la que soy fundadora e investigadora. Bajo mi orientación y estímulo, el grupo, que ya compartía la investigación de propiedades espirituales, metafísicas e invisibles en sus producciones, pudo ampliar y refinar sus investigaciones, transmutar antiguas creencias y expandir su práctica para alcanzar, en resonancia, el punto más alto de su recorrido artístico y espiritual hasta el momento.
A partir del intercambio de experiencias, tanto positivas como complejas, en torno a la inmensidad del fuego durante nuestros encuentros, se canalizó la intuición de que este elemento natural debía guiar la exposición como una antorcha. A medida que transcurría este periodo, los artistas se encontraban a menudo, incluso con asombro, golpeando una piedra contra otra para producir una chispa. Y, aunque vivieron todo el proceso de manera colectiva, cada uno descubrió individualmente sus tiempos, ritmos, sentimientos y posibilidades de creación artística, en un ejercicio diario para que un rayo, figuradamente, cayera sobre sus cabezas y trajera los mensajes que podrían plasmarse en esta muestra.
Las corrientes gnósticas sostenían que cada ser humano posee una scintilla animae —una centella anímica—, una semilla de luz o un fragmento de un fuego-Dios mayor que busca regresar a la fuente. El concepto cobra cuerpo en la mística medieval, especialmente con el teólogo Maestro Eckhart, quien defendía que esta centella reside en el fondo del alma, en el punto de encuentro de lo humano con lo divino o con el Yo Superior. Es en ese núcleo íntimo donde nos conectamos con el todo. La centella es el sol invisible en el centro del ser humano: a la vez lo más pequeño y lo más esencial.
El Corpus Hermeticum y la Tabla de Esmeralda, atribuidos a Hermes Trismegisto, revelan que el fuego primordial no nos pertenece: estamos hechos de él. Los siete principios herméticos que estructuran esta cosmología atraviesan el territorio de esta exposición, especialmente tres: el principio de Correspondencia, sintetizado en la máxima «como es arriba, es abajo», que revela que la llama interior y el fuego del cosmos son la misma fuerza a distintas escalas; el principio de Vibración, según el cual nada está en reposo y todo pulsa en frecuencias que se transforman, como el propio fuego, que nunca es el mismo durante dos instantes consecutivos; y el principio de Polaridad, que enseña que la luz y la sombra, la creación y la disolución, no son opuestos absolutos, sino grados de un mismo espectro. Desde esta perspectiva, la oscuridad no precede al fuego por accidente: es la condición que lo hace visible.
La exposición parte del fuego más terrenal, ardiente y ancestral, y recorre las interpretaciones del imaginario ígneo hasta alcanzar un estado de mayor trascendencia. Hay referencias a la alquimia, donde el fuego es el gran agente de la transformación, en el matrimonio entre el sol y la luna. A la Gran Obra alquímica, que atraviesa el negro de la putrefacción y el blanco de la purificación hasta llegar al rojo de la piedra filosofal, cuando el huevo alquímico se abre y revela el oro. También se invoca el Tarot, con Bastos como palo del fuego, que resuena en una de las piezas de esta muestra y evoca la expansión a través del intercambio y el rito colectivo. La individuación psíquica de Carl Gustav Jung también está presente: en la travesía de las propias densidades como condición para ascender a estados elevados de conciencia, que aquí culmina, en la tradición védica, en la figura de Agni, divinidad del fuego. En el Bhagavad Gita, texto sagrado hindú: «no encender el fuego significa negarse a aceptar el mandato del sí mismo».
Las obras reunidas aquí atraviesan este campo simbólico mediante distintos lenguajes y técnicas: pintura al óleo, acrílica, acuarela, pastel seco y graso, pigmentos y aerosol; fotografía escenificada, de exposición múltiple y expandida; vídeo, proyección e instalación; escultura en cerámica; y textiles bordados a mano, con palabras o fragmentos de espejo, pedrería y elementos de pasamanería. El inconsciente irrumpe en paisajes oníricos, veladuras cromáticas, procesos de transmutación, momentos de intensa canalización, conexiones con la naturaleza y el cosmos, portales y rituales.
Gaston Bachelard, en Psicoanálisis del fuego, propuso que el fuego es el elemento que más invita a la rêverie, ese estado flotante entre el sueño y la vigilia en el que la imaginación se profundiza en lugar de dispersarse. En La llama de una vela, Bachelard se dedicó al encantamiento de una llama solitaria y a lo que esta es capaz de despertar en el soñador, y de ese pensamiento nace el título de esta exposición: la presencia de una llama que surge de lo mínimo y que, al sostenerse en el tiempo, ilumina cada vez más. La centella es esa llamada interior de los artistas; la llama, la energía que la obra emite al encontrarse con el otro. Una sola chispa basta para iniciar la ignición; una sola obra que alcance su verdadera profundidad puede iluminar a quien la contempla. Esta es la invitación de la exposición y del programa que le dio origen: que cada persona reconozca la centella que le pertenece y, al hacerlo, la encienda.
Texto: Marina Bortoluzzi
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Curaduría y producción: Marina Bortoluzzi
Ateliê Casa Um, São Paulo, Brasil
Obra presentada: Study of the Sun I, 100x100cm
Abril.2026
«Memória, identidade e território»
BNP Paribas | São Paulo/Brasil, 2025
Memoria, Identidad y Territorio
«Entre lo íntimo y lo colectivo, entre el lugar vivido y el imaginado, la memoria de naturaleza mutable y la identidad individual y compartida construyen territorios que trascienden la geografía, desplegándose en espacios de pertenencia, afecto y narrativa. La exposición Memoria, Identidad y Territorio reúne obras de Emilia Brandão Carneiro y Gabriela Stragliotto que, en sus universos poéticos, revelan distintas formas de habitar e inscribir el mundo. En este encuentro, somos invitados a revisitar lugares, reimaginar historias y reconocer la memoria como fuerza vital en la construcción del sujeto y de lo colectivo, desafiándonos a ocupar territorios en constante transformación.
En las fotografías de Emilia Brandão Carneiro, el territorio emerge como extensión de la sensibilidad. En Sentimental Journey (2016–2019), cisnes se deslizan por las aguas del río Sena, junto a la isla de La Jatte, en París. Envuelto en niebla y silencio, sus cuerpos suspendidos condensan la poética del intervalo que atraviesa su obra: aquello que no se fija, pero persiste. El uso de película en blanco y negro, las múltiples exposiciones y el medio formato acentúan esta estética de la suspensión, donde el tiempo se dilata y la memoria se deposita en capas sutiles. Más que registros, sus imágenes son pausas: fragmentos que revelan afectos invisibles entre espacio y experiencia.
Esta mirada contemplativa también se manifiesta en Berni (2020–2022), que acompaña los últimos días de un caballo de salto profesional, retirado entre Portugal y Francia. El cuerpo animal, en el final de su ciclo, se funde con el paisaje en un silencio ritual. En Performance of a Dream (2018), el bosque de Fontainebleau se convierte en escenario para una coreografía filmada y fotografiada, en colaboración con Marina Droghetti y Lital Weizman, disolviendo fronteras entre cuerpo, naturaleza e imaginación. En Paris Glacial (2017), una fuerte nevada transforma la ciudad en un paisaje desierto y suspendido, reforzando la atmósfera que atraviesa toda su producción.
En las obras de Gabriela Stragliotto, la memoria adquiere contornos oníricos y espectrales. Sus pinturas, dibujos e instalaciones construyen paisajes habitados por figuras anónimas, presencias en tránsito entre aparecer y desaparecer. Nacida en el interior de Rio Grande do Sul, con experiencias en centros urbanos y formación en arte y cine, la artista desarrolla un léxico visual propio, estructurado en series que se repiten, se diluyen o se transforman. Su poética refleja el desplazamiento y la impermanencia como aspectos centrales de la identidad y de la experiencia contemporánea.
Memoria, Identidad y Territorio invita al público a recorrer estos caminos entre márgenes de ríos, ciudades lejanas y paisajes construidos, reconociendo en las huellas dejadas por las artistas algo de sí mismo: una imagen, una sensación, una historia que también nos atraviesa. Al entrelazar recuerdo, subjetividad y espacio, la exposición reafirma el territorio como campo simbólico y sensible, donde las experiencias se inscriben y se reconfiguran. Las obras operan como cartografías afectivas que revelan modos de estar en el mundo: siempre en tránsito, siempre en transformación.»
Nuria Vieira, curadora
«Girls just wanna have fun»
Galería MOVART | Lisboa/Portugal, 2025
“Girls Just Wanna Have Fun transforma el juego en poder, la risa en lenguaje y la creatividad en comunidad. Cuando las mujeres crean juntas, nutren la energía, las historias y los sueños de unas y otras. Inventan nuevos mundos donde la belleza, el coraje y la curiosidad se entrelazan. La colaboración se convierte en empoderamiento; el acto creativo se convierte en celebración.
Las obras en exhibición reflejan un universo donde la intuición se encuentra con la memoria, la materia con el mito y la emoción con la libertad. De lo íntimo a lo político, de lo lúdico a lo profundo, cada artista aporta su voz única a una sinfonía colectiva de creación femenina. En este espacio, la belleza toma forma a través de la alegría, la creatividad se multiplica mediante la conexión y la presencia femenina deja de ser la excepción para convertirse en la norma.”
Texto: Federica Elena
Obra: “Pas de Deux”
(120 × 180 cm, fotografía en blanco y negro) Bailarina: Marina Droghetti, performance en París.
Comisariado: Federica Elena & Irina Gordienko (The Curated Lisbon)
Lugar: Movart Gallery, Lisboa, Portugal.
Fechas de la exposición: 04.12.2025 – 30.01.2026
«A Gente Ama o que Não Conhece»
MITS Galería | São Paulo/Brasil, 2024
La exposición «Amamos lo que no conocemos», comisariada por Victor Valery por invitación de MITS Galeria, presenta una selección de obras de siete artistas elegidos por VANDL ART, que abarca las disciplinas de pintura, fotografía y escultura. Inspirada en la pintura homónima de Brenda Nicole, esta muestra desafía la máxima de san Agustín, «Solo amamos aquello que conocemos», y sugiere que el amor y la apreciación pueden surgir de lo desconocido y de lo inexplorado.
La propuesta curatorial toma como fundamentos conceptuales los debates contemporáneos sobre la producción y la circulación cultural, cuestionando la linealidad cronológica de la historia del arte y evocando técnicas, movimientos y formatos de distintas épocas. Así, cada artista aporta su propia perspectiva, reflejando el espíritu de su tiempo y ofreciendo al público una visión singular, para generar un espacio de experimentación crítica desde diversas perspectivas y estéticas. Al transitar por temas centrales como la identidad, la abstracción, la memoria cultural, la transformación y la relación entre las formas y la materialidad, las obras tejen una red compleja que conecta lo artístico con lo cotidiano.
La exposición «Amamos lo que no conocemos» busca, por tanto, impulsar el surgimiento de una nueva generación de artistas, admiradores y coleccionistas. Al explorar nuevas perspectivas con fuerza estética, la muestra amplía horizontes y desafía convenciones, presentando obras que subvierten las expectativas y animan al público a repensar sus referentes visuales, conceptuales y afectivos.
Texto: Victor Valery
Artistas: Brenda Nicole, Emilia Brandão Carneiro, JAMEX, Josh Brandão, Raquel Pater, Ricardo Bueno, Vivi Rosa
Comisariado: Victor Valery
Producción: VANDL ART
Galeria MITS, São Paulo, Brasil
Serie presentada: When Winter Met Spring
Septiembre de 2024
«Catalogue»
Galería F&deO | Madrid/España, 2022
Al celebrar su primer aniversario, F&deO presenta una exposición colectiva para expresar la sensibilidad que promueve. Encontrarás obras elegantes, suaves, llenas de matices, misteriosas, delicadas y profundamente memorables. Hay un poco de todo: pintura, fotografía, bordado, escultura. Cada una de las piezas resalta una faceta distinta de lo femenino, y te invitamos a acercarte a preguntarnos por las que más te intriguen. Pero, sobre todo, te invitamos a venir a disfrutar, a dejarte emocionar, a permitir que las piezas hagan contigo justo lo que creemos que debe hacer el arte: conectarte con tus capas más profundas de una manera evocadora y sugerente, pero nunca forzada.
Exposición: Catalogue
Galería: F&deO, Calle de Jorge Juan 14, local 3
Madrid/España
24.11.2022 – 14.01.2023
Artistas: Miranda Boulton – Emilia Brandão Carneiro – Célia Bruneau – Adriana Cabello – Louise de Lima – Ana González – Jo Roets – Laura San Segundo – Jemima Sara
«OpenWalls Arles»
Galerie Huit – British Journal of Photography | Arles/Francia, 2023
OpenWalls Arles es un premio internacional de fotografía impulsado por British Journal of Photography y creado en colaboración con Galerie Huit Arles. OpenWalls ofrece una oportunidad única para que fotógrafos emergentes y consolidados expongan su trabajo en paralelo a Les Rencontres d’Arles, el evento anual más prestigioso del sector de la fotografía.
En respuesta al tema de la Verdad, las 50 imágenes individuales y las dos series ganadoras reflexionan sobre cuestiones como la inteligencia artificial, las realidades políticas, la narración histórica y la autorrealización. En un momento en el que la idea de verdad es inestable, las respuestas a ella son más sugerentes y diversas que nunca. Al elegir la Verdad como tema de OpenWalls Arles Vol. 4, BJP invitó a explorar distintas interpretaciones y seleccionó imágenes que muestran el deseo de preservar las tradiciones, cuestionar la autoridad, valorar a los demás e imaginar nuevos futuros en nombre de la verdad.
OpenWalls Arles Vol. 4 se expondrá en Galerie Huit Arles —una mansión del siglo XVII y espacio artístico situado en el corazón cultural de la ciudad— del 5 de julio al 23 de septiembre. La galería es miembro de Gallery Climate Coalition y la exposición se producirá de forma sostenible, con medidas como el uso de marcos reciclados y la impresión local.
Las obras ganadoras han sido seleccionadas por un jurado de referentes del sector, integrado por Sarah Leen (fundadora de Visual Thinking Collective y exdirectora de fotografía de National Geographic), Paris Chong (directora de Leica Gallery LA), Michael Famighetti (editor de la revista Aperture), Azu Nwagbogu (fundador y director de African Artists’ Foundation —AAF— y director de Lagos Photo Festival), Mutsuko Ota (directora editorial de la revista IMA), Julia de Bierre (directora de Galerie Huit Arles) y Matt Alagiah (editor jefe de It’s Nice That).
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Fecha: jul-set.2023
Local: Galerie Huit, Arles/França
Premio: British Journal of Photography
Artistas: Alvin Ng | Anna Sellen | Ayesha Jones | Bert Daenen | Hark1karan | Carina Lammers | Chidinma Nnorom | Curtis Hughes | Emilia Brandão Carneiro | Emmaline Zanelli | Flora Vever | Francesco Gioia | Frankie Mills | Frederic Aranda | Frederike Kijftenbelt | Guillaume Flandre | Güzin Mut | Heather Agyepong | Jacopo Papucci | Jeffery Becton | Jesse Glazzard | Jessica Gianelli | Julia Gunther | Julian Simmonds | Katya Ilina | Kelly-Ann Bobb | Kimbra Audrey | Kristina Varaksina | Laura Roth | Lieh Sugai | Liu Kunkun | Lucas Ziegler | Lucia Jost | Marcel Top | Mark Griffiths | Qi | Nasti Davydova | Ralph Whitehead | Rico X | Roxana Savin | Sandra Chen Weinstein | Savas Onur Sen | Selene Magnolia | Şener Yılmaz Aslan | Seunggu Kim | Sherwin Rivera Tibayan | Mansurov Timur | William Mark Sommer
«South.Southwest»
RE|Space | Berlín/Alemania, 2020
Las obras de la colección South.Southwest exhibidas en la galería re|space en Berlín constituyen una visión visual curada de la identidad latinoamericana. La paleta visual es tan diversa como los pueblos de América Latina, retratando cultura, naturaleza, folclore y la vida cotidiana. Esta colección de fotografía de bellas artes ha sido compilada por los artistas Sebastián Liste, Christina de Middel, Álvaro Ybarra Zavala, Laura León, Jesús Rocandio, Adriana Zehbrauskas, Stephen Ferry, Tomás Munita y Emilia Brandão para mostrar la fuerza de la fotografía latinoamericana contemporánea. Como fotógrafos, los artistas cuentan con el patrocinio de Leica Iberia, han trabajado extensamente con agencias fotográficas de renombre mundial como Magnum y Getty Images, están representados en colecciones de bellas artes consolidadas como el Museo Metropolitano de Nueva York y han sido publicados en importantes medios internacionales como Time Magazine.
Aunque parcialmente derivadas de proyectos de fotografía documental, las obras de esta colección han sido seleccionadas por su valor artístico distintivo. Lo que distingue a esta colección de la fotografía documental es su enfoque artístico. No es solo el tema de las fotografías lo que reclama un contexto de bellas artes, sino también el estilo y la composición. El gran formato de muchas de las obras, montadas y enmarcadas, exige la atención del espectador, al igual que una pintura histórica. De manera similar, los dípticos de menor formato hacen referencia a modos de exhibición comunes en galerías nacionales. Cada obra contribuye a la narrativa visual que constituye la colección South.Southwest. A veces atmosféricas, a veces poéticas, a veces biográficas, las obras documentan y celebran una visión latinoamericana contemporánea de la vida.
Lo que hace que esta colección fotográfica sea tan única es el hecho de que cada obra es una impresión de edición única con una procedencia incuestionable. Esto está garantizado por un proceso de identificación en cuatro partes que implica la certificación a través de Leica, el fotógrafo, la galería y el comprador. El comprador adquiere los derechos exclusivos sobre una obra que enriquecerá cualquier colección fotográfica. A través de su patrocinio, el coleccionista se convierte en un actor clave en la conservación y el futuro de la siempre creciente colección South.Southwest.
La exposición se presenta exclusivamente en la galería re|space en Berlín y marca la presentación inaugural de la colección a nivel mundial. Con el objetivo de llevar la fotografía latinoamericana contemporánea a un público más amplio, la exposición organizada en Berlín —hogar de personas de aproximadamente 190 naciones— permite que las obras sean vistas de primera mano por entusiastas del arte y la fotografía de todo el mundo. Esto no solo amplía el alcance de la propia colección fotográfica, sino también el intercambio cultural entre América Latina y el resto del mundo. Las obras de la colección South.Southwest seleccionadas para esta exposición comparten una profunda conexión con la vida en América Latina. Si bien es la primera vez que las obras de la colección South.Southwest se exhiben públicamente, la colección continúa creciendo, y cada obra pasa a formar parte de su legado.